¿Quién dijo que lo invisible es inexistente? ¿Quién dijo que lo que aflora a la superficie es más importante que lo que lo sustenta bajo tierra? Toda vanguardia se sostiene en una retaguardia que protege, muestra, sostiene e inspira y sobre ella como ejercicio de exploración, hay que proyectar el mismo haz de luz que ilumina los grandes nombres de nuestras ancestras. La sorpresa a veces es mayúscula, como la que nos embarga cuando nos adentramos en la vida de estas dos hermanas que mereces conocer.

Las sorprendentes hermanas Hwang, Nadine y Marcela, permanecían hasta hace poco en la penumbra de ese tiempo, aún escasamente estudiado, que fue, por poner un hito temporal, la generación de las primeras décadas del siglo XX, tiempo de vanguardias y rupturas, tiempo de precursoras. Ambas ampliaron desde esa retaguardia de grandes nombres los márgenes de la modernidad al abrir el conocimiento a una cultura ajena e impactante como la china, creando puentes culturales, reivindicando a su vez la identidad, la independencia, la libertad de creación, la libertad sexual y, en definitiva, la libertad de vida. Ambas eran las únicas supervivientes de un matrimonio de lo más singular: el formado por el mandarín Hwang Lü-He, aristócrata de la dinastía Qing y secretario de la legación china en Madrid y Juliette Broutard-Guilliard una viuda belga también de buena cuna. Se conocieron en San Sebastián, donde ambos veraneaban, y se casaron en Londres en 1901 diccionario mediante, pues ambos habían aceptado un compromiso conveniente que resultó, con el tiempo, ser la unión de dos personalidades fuertes pero respetuosas, cultas y alegres, valientes y transgresoras, es decir una unión casi perfecta. 

Na Ting, la mayor (que eligió llamarse Nadine Hwang) nació en Madrid en 1902 y poco después en La Habana, casi por casualidad, nació Ma Cé en 1905 que luego castellanizó su nombre como Marcela De Juan. Juan era una adaptación fonética del apellido del padre, Hwang, porque en Madrid era conocido como Juan e incluso más cariñosamente como Juanito. La infancia de ambas vino marcadas por la duplicidad de dos culturas, ya no distintas, sino casi antagónicas. De puertas adentro las ancestrales tradiciones chinas de los últimos años del emperador Guangxu y la famosa emperatriz viuda Ci Xi impregnaban el día a día de la vida familiar. El escritor Armando Palacio Valdés, gran amigo de la familia, describe muchos detalles del hogar de los Hwang que visitaba a menudo y de ellos da muestra en su novela Años de juventud del doctor Angélico. Las amenísimas memorias de Marcela, que tuve el placer de rescatar en mi editorial, La Línea del Horizonte, dan cuenta de hasta qué punto aún la familia vivía constreñida a exóticas costumbres como la del intento de vendar los pies a sus hijas o la de casar a Marcela a los tres años con el príncipe Shen que encabezaba la delegación china invitada a la boda de Alfonso XIII en 1906. Matrimonio que, afortunadamente, el desmatelamiento posterior de la China imperial dejaría sin efecto. El padre solía asistir a estas grandes ceremonias con todo el boato de su mandarinato: calesa de caballos decorada al estilo chino, largas túnicas de colorida seda bordada, altas botas de seda, larguísimas coleta y uñero y sombrero de fleco rojo y borla de jade. Alternaba este boato chinesco que hacía las delicias de los madrileños con su vestimenta a la europea, aunque se enrollaba la larga coleta bajo una peluca, en algunas ocasiones, como reveló su hija, ¡de pelo rubio! A ‘Juanito’, nada le impedía con humor y apertura de mente, vivir en la bisagra de dos tiempos históricos antagónicos.  La extraña familia hacía las delicias de la intelectualidad de la época. Se hizo muy amigo de Pío Baroja (con quien paseaba por el Retiro) y su hermana Carmen. También lo era de Emilia Pardo Bazán, curiosa como era, gozaba de tan estimulante compañía; del escultor Mariano Benlliure o del ministro Natalio Rivas vecino y amigo que hablará de ellos en sus memorias. Amante del toreo, como era ‘Juanito’, gracias a su amistad con el torero Fuentes Bejarano, llegó a tomar clases en la Casa de Frascuelo. También los padres eran, como procedía en la época, amantes de la zarzuela que disfrutaban en el teatro Apolo y mucho más en el teatro Lara y el de la Comedia donde actuaba la actriz Rosario Pino con la que mantuvo un romance. 

Una infancia absolutamente feliz y desacomplejada que hizo fecundar en las hermanas dos identidades fuertes y nada proclives al conformismo. En el caso de Nadine se produce un hecho complejo de analizar pero que marcará su vida. Tiene que ver con el jiâpu o zúpû llamado Libro de las Generaciones o registro del clan que es uno de los pilares de la cultura china tradicional donde se recoge la genealogía y el linaje de la familia  por vía de la primogenitura. Otorga identidad y pertenencia, establece un lugar en el cosmos social y un lugar de anclaje en la singladura de la historia familiar. En ausencia de hijos varones los padres trataron a Nadine como el primogénito. Hasta los siete años la vistieron de niño y se dirigían a ella como «Mon fiils», costumbre que según su hermana Marcela duró siempre, por lo que Nadine creció en la certidumbre de ser un varón hasta el día de su primera menstruación que su hermana Marcela relata como un día de susto y lloros ante lo que evidenciaba su verdadero sexo. Nadine navegó en adelante en una segura y confiada ambigüedad que exhibía con orgullo y naturalidad, y nunca ocultó su lesbianismo públicamente, algo inusual en su época.

La infancia de ambas en Madrid marcó definitivamente sus vidas occidentalizando una vía de comprensión del mundo. La otra vía, complementada por oriente,  llegaría en 1913, cuando recién instaurada la República y derrocado el Imperio, reclaman al padre para ocupar un cargo en la Dirección de Asuntos Europeos del Ministerio de Exteriores en Pekín. La inmersión en la sociedad china de la época, aún a caballo entre las viejas tradiciones y las nuevas, marcará un contrapunto muy estimulante en el periodo de juventud de las dos hermanas. Marcela con ocho años y Nadine con once vivirán en China durante quince años: una inmersión total tras la que irrumpe la verdadera alteridad. También el racismo y la dolorosa certidumbre de vivir para siempre en un exilio interior que hará consciente la diferencia, sobre todo en el caso de Marcela. El universo chino tan apegado a su convicción ancestral de ser «El país del centro» (Zhóngguó) despreciaba al extranjero como bárbaro; por otra parte el universo europeo, tan apegado a su superioridad moral despreciaba al chino también como bárbaro. Su condición de euroasiáticas, de habitantes en el hilo de la frontera, siempre generó, especialmente en el caso de Marcela, un sentimiento de identidad y pertenencia suspendida, inmaterializable. Una y otra vez lo refiere veladamente en sus memorias. 

En China se forjan dos disímiles modelos. Nace una Nadine retadora y desafiante de los convencionalismos, alguien sumamente vital, amante de los motores, la ambigüedad, el poder, el deporte, la acción y la política. Allí inicia una sorprendente carrera militar que la lleva a ocupar puestos de responsabilidad en el gobierno de tres poderosos generales y una vez conseguido el permiso de aviación en Francia se convirtió en coronel honorario de la aviación china. Vistas después desde Europa, estas hazañas bélicas dibujarán un personaje deslumbrante cuya fama llega hasta Estados Unidos donde la prensa la bautiza como la Juana de Arco china. Marcela se embarca en otra dirección: la de los secretos de la enigmática cultura china que estudia con interés: arte e historia, costumbres, teatro, antigüedades. Particularmente le interesa la literatura y la poesía. Quizás como consecuencia de haberse relacionado con otras escritoras y escritores euroasiáticos y cosmopolitas como ella. Algunos ya famosos en la época como Lin Yutang, Han Su Yin, la de La colina del adiós o Lizzie Yu Der Ling, conocida como la princesa Der Ling que escribió la exitosa Dos años en la Ciudad Prohibida. La casa familiar era el epicentro de diplomáticos tanto europeos como americanos, grandes personajes como el futuro rey Jorge VI de Inglaterra, viajeros y escritores como Vicente Blasco Ibáñez o futuras estrellas de la política como el desconocido estudiante Mao Zedong. A las hermanas se las requería para acompañarles o para bailarles una jota o una sevillana si fuera preciso.

1927. Todo cambia. De pronto su destino se dobla en dos con la muerte del padre y pocos años después de la madre. Ambas regresan a Europa, pero sus vidas se bifurcan. Marcela de vuelta a Madrid inicia poco a poco una brillante carrera como traductora directa del chino siguiendo el método del gran sinólogo francés del momento: Marcel Granet. Su primera antología se publica tempranamente, en 1948. Es toda una pionera en traer hasta nosotros la maravillosa poesía de las dinastías clásicas Tang y Song a la que seguirán nuevas antologías, compilación de relatos, traducciones y conferencias sobre arte y cultura china, además de los vertiginosos cambios operados en China respecto a las mujeres. Nada más llegar entra en contacto con el Lyceum Club fundado un año antes a través del contacto con su bibliotecaria María Martos Baeza. Allí dicta, ya socia, sus primeras conferencias que luego realizará con éxito por España y muchas ciudades europeas. Exiliada en Argentina durante la guerra, comparte infortunio con Elena Fortún, Matilde Ras, María de Maeztu, Victoria Kent o Rosa Chacel y en ese país continúa su labor como traductora para Emecé y Losada,además de  conferenciante y articulista en la revista Sur. Con los años, y a la vuelta del exilio, fue la cofundadora con Consuelo Bergés, otra maravillosa dama de la generación del 27, de la Asociación Profesional Española de Traductores e Intérpretes. Hoy día uno de los premios más importantes a la traducción lleva su nombre.

Nadine, por su parte, elige París ¿Y cuál era el lugar en París para toda mujer creadora o intelectual donde encontrar apoyo, difusión y amistad? De entre todos los salones de aquella  hiperactiva Rive Gauche, uno de ellos, el del 20 de la rue Jacob, es donde había que estar: el salón y Templo de la Amistad donde tenían lugar las amenísimas sesiones del Ateneo femenino fundado por la rica y generosa norteamericana Nathalie Clifford Barney, un formidable personaje. No eras nadie si no lo frecuentabas. Escritoras como Renée Vivien, Colette, Djuna Barnes, Radclyffe Hall, pintoras como Romaine Brooks y Tamara de Lempicka, bailarinas como Isadora Duncan o figuras míticas como Liane de Pougy, La Bella Otero, Mata Hari, Sylvia Beach y damas de la sociedad como Elisabeth de Gramont o Anna de Noailles. Y naturalmente ese personaje fascinante, de apariencia tan garçonesque como exótico, cuya aura aventuresca despertaba deseo y pasión: la chino española Nadine Hwang. Nadine se convirtió en una figura relevante del salón porque llegó a vivir en la casa: ejercía de chófer y chaperonne para Nathalie, gestionaba su correspondencia, organizaba los famosos «Viernes de la rue Jacob», ejercía de escolta y traductora de sus muchas invitadas y en un lugar donde nadie pedía certificación ni orientación de su deseo sexual también fue ocasionalmente amante de Nathalie.

Pensemos cómo por ironías del destino y por motivaciones muy diferentes vemos aquí a estas dos hermanas, una en el epicentro del feminismo español de la Edad de Plata y el entorno del Lyceum Club de la II República, y otra en el epicentro cultural, feminista y lésbico de la Rive Gauche en el salón de Nathalie Clyfford Barnes. Dos constelaciones que actuaban como catalizadores de la modernidad para las mujeres y como lugares dinamizadores del pensamiento y la creatividad femenina.

¿Por qué volvió Marcela tan tempranamente de su exilio bonaerense? Era 1945 ¿Tal vez la noticia de la liberación del Campo de Ravensbrück ese mismo año donde, haciendo spoiler, diremos que se hallaba internada su hermana Nadine? El misterio de la relación posterior de las dos hermanas tras las dos guerras, tanto la civil española que afectó a Marcela y la europea que atravesó la vida de Nadine, es un penoso misterio aún por resolver. De la vida de Marcela en España durante el franquismo y la larga transición sabemos lo que podemos recuperar a través de las hemerotecas y de sus publicaciones. 

Convengamos que el caso de Nadine es milagroso porque su destino hubiera sido aún más bañado en silencio de no ser por los documentales del cineasta sueco Magnus Gertten. La fabulosa historia de Nadine afloró casi como un capricho del destino. Fueron sus dos primeros documentales buscando reconstruir las identidades tras los rostros de las mujeres liberadas llegadas desde el campo de Ravensbruck al puerto de Malmö en Suecia, cuando desde Australia, Venezuela y Francia se hizo la luz. Durmiendo desde hacía décadas la familia no había abierto un misterioso baúl que contenía correspondencia, fotografías, documentos oficiales, cintas de vídeo y el diario de campo milagrosamente escrito y rescatado de la cantante de ópera Nelly Mousset-Vos. Fue su nieta Sylvie quien reconoció en el documental Every face has a name (Cada rostro tiene nombre) las facciones graves e inconfundibles de Nadine Hwang, la pareja de su abuela Nelly, y en el prodigio de este desvelamiento asoma la historia conmovedora de Nadine, su detención en Francia acusada de colaborar con la resistencia, y el encuentro maravilloso en la navidad de 1944 con Nelly Mousset-Vos en el campo de Ravensbrück, su reencuentro tras la liberación en Bruselas y sus dos décadas de vida juntas en Venezuela. Aquella navidad a Nelly una voz entre la multitud le había pedido que cantase Butterfly. Cuando lo hizo, sucedió esa clase de epifanía que vuelve la vida del revés y la llena de esperanza aún en las circunstancias más trágicas: «La emoción recorre mi piel. Siento el calor de mis ojos. La alegría me invade. Una alegría dionisíaca. Llegan los aplausos. Dos brazos me abrazan, dos besos en la mejiilla. Butterfly está ante mí. Su pelo negro, su piel de marfil, sus ojos rasgados. ¡Nadine!».

Nadine y Marcela descansan en el anonimato. Nadine murió en 1972 y se encuentra en una fosa común del cementerio de Ixeres, Bélgica, y de Marcela, que murió en Ginebra en 1981, desconocemos donde está su tumba. Ambas aportaron a este luminoso momento de nuestra historia textura, color, horizontes y actuaron como nodos que conectaban a los intelectuales del 27 con culturas y corrientes internacionales. Queda mucho por investigar pero celebremos que historias como esta vayan despojándose de sus tinieblas para reconciliarse con la luz. Tras cada sombra que oscurece la historia hay un luminoso universo privado exigiendo ser reconocido. 

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Pilar Rubio Remiro
es editora, articulista en varios medios y gestora cultural. Sus temas de especialización son el viaje y sus culturas y la literatura contemporánea de viajes, así como narrativas de Asia y África. Fue cofundadora y directora de la librería de viajes Altair de Madrid y fundadora y directora de La Línea del Horizonte Ediciones especializada en narrativas de la movilidad y ensayos sobre el género. También ejerce como profesora, coordinadora de talleres y conferenciante sobre temas de su especialidad, entre ellos la literatura de viajes con perspectiva de género.

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Si tuviese que realizar una autobiografía artística, sin duda empezaría por el inicio de mis estudios en la Escuela de Artes Aplicadas y Oficios Artísticos de Madrid, en la calle de la Palma. Fueron fantásticos y divertidos años, en los que una casi adolescente soñaba con un mundo en el que la gente se pudiera disfrazar para ser varias personas en una misma. Pero, haciendo caso a la memoria hay un pequeño episodio en mi vida, recordado muy recientemente, que habla de una cierta predisposición y sentido crítico tal vez exagerado para la edad que tenía, pero que, indiscutiblemente, encaminaba toda mi trayectoria.

El episodio ocurrió días después de mi Primera Comunión, a la edad de siete años; cargada con el álbum de fotos (imagino que sería lo habitual en el colegio) estaba dispuesta a presumir enseñando a mis amigas y profesoras la preciosa estampa de mí misma vestida de organza, en medio de bordados y tules, y un gran lazo anudado en la espalda, como la más bonita de las princesas. No me faltaba de nada; una pequeña corona que recogía un moño, un libro de nácar, un rosario hecho de cristales tallados que descomponían la luz en todos los colores… Durante unos minutos admiré orgullosa la foto, para descubrir que no estaba viendo una niña vestida de comunión. En un segundo, y totalmente decepcionada, comprendí que la princesa que me creía se desvanecía ante mis ojos, y que, más bien, la desproporción entre el tamaño de la cabeza y la del cuerpo recordaba a la de una enana disfrazada. Guardé el álbum y no se lo enseñé a nadie.

Fui una niña soñadora que jugaba con muñecas recortables y fantaseaba con personajes de la historia en los que el vestuario era la piel, como más tarde he oído comentar a muchos actores y actrices: se entra en el personaje en el momento en que uno se viste de él.  La falta de medios de los años sesenta y la imaginación te convertían en Cleopatra con apenas una funda de almohadón y un plumero; en Santa Teresa con un par de toallas… o en diosa griega con una sábana, un velo, unas sandalias y un cinturón.

El paso por la Escuela de Artes Aplicadas y la especialización en figurines siguió alimentando ese deseo de transformación de la realidad, y aunque contribuyó a una formación artística, me dejó en el más completo desconcierto profesional. Mi apuesta por el vestuario de época para cine, teatro y televisión se encontró reducido a “la nada” en pocos meses. Imagino que eran malos tiempos para una jovencita, sin experiencia, en un mundo especialmente cerrado. No obstante, y pasados unos años pude tener esa magnífica, aunque breve, experiencia, aprobé una convocatoria de trabajo para RTVE. Recuerdo especialmente un día de verano de 1991 en el quiosco de música del Parque del Retiro, durante el rodaje de uno de los capítulos de la serie Narradores de Ayer, que Pedro Amalio López dirigía para RTVE. En esa ocasión tuve la oportunidad de hacer pasar, con ayuda de dos sastras, por el túnel del tiempo a más de doscientas personas, y todo ello en el tiempo récord de dos horas. Fue una hazaña que recordaré siempre y reconocí en este hecho la magia de la televisión que toda mi vida había buscado.

La recompensa que tenemos las mujeres que hemos sido madres muy jóvenes, es poder vivir una segunda juventud, cuando los hijos han alcanzado una edad de cierta independencia. En mi caso, la recompensa fue compartir los años de universidad con la siguiente generación, con la generación de mis hijos. 

En la Facultad de Bellas Artes recobré la afición por el teatro, por la escenografía, la vocación por la pintura (que había permanecido dormida) … pero sobre todo la confianza en mí misma y el entusiasmo por mis proyectos. Un nutrido grupo de profesores hicieron de mi formación (especialmente en el campo teórico) un motivo de superación día a día, pero fue el contacto con los compañeros el verdaderamente enriquecedor. La gente que se interesa por el arte siempre parece distinta, los estados de ánimo influyen tan fuertemente que no dejan de manifestarse. Esa especial sensibilidad es la que da singularidad a nuestro colectivo.

Durante los años de facultad rondaron por mi cabeza mil proyectos que, por atender a otras prioridades, quedaron aparcados en algún rincón de mi imaginación, por lo que, una vez alcanzada la Licenciatura, se imponía un proyecto. Un proyecto con mayúsculas que resumiera todos los años de formación.

En ese desconcierto, anteriormente sucedido con la graduación en Artes Aplicadas, del fin de los estudios y el paso a la escena profesional, ya lo tenía muy claro: quería aunar los trajes de época (trajes que hicieran soñar) y la tradición pictórica. Por otra parte, disponer de una cierta independencia económica, me beneficiaba a la hora de no dejarme afectar por intereses comerciales. La pintura que más interés me produce y con la que trabajé en los años de Facultad es esencialmente matérica, por lo que se prestaba de manera muy especial la utilización de telas.

Una de las materias dice a sus hermanas: “Hasta ahora no hemos hecho otra cosa que imitar al mundo, no hemos creado nada. ¿Qué ha salido de nosotras que no estuviera antes rodeando nuestros ojos, desafiando nuestros pies o nuestras manos?”. Y ni corta ni perezosa, la materia empieza a imitarse a sí misma y a fascinar con su poder expresivo.

Y aunque la idea pueda parecer descabellada, la solución era tan lógica que podía prescindir de cualquier tipo de aclaración: Utilizaría los vestidos que más hacen soñar para realizar obras pictóricas. Bordados, encajes, puntillas, pasamanerías, perlas, lentejuelas… son de tanta riqueza expresiva como lo son los materiales de carga utilizados en mis cuadros; por otra parte, la gran cantidad de tela utilizada me permitiría hacer cuadros de gran tamaño, aunando así los dos campos que más me han interesado artísticamente. 

Con este proyecto opté por dar una segunda oportunidad, una segunda vida, al traje más importante en la vida de muchas mujeres; el Traje de Novia. Hilvanar, coser, cortar, bordar, realzar… son labores de dedicación, de virtuosismo, de sutileza. ¿Dónde está la línea que separa de las Bellas Artes? Los pigmentos son los hilos, los pinceles agujas, y los bocetos preparatorios… ¿no son acaso los alfileres?

Existían, además, otros retos:

• Convertir un espacio volumétrico en un bajorrelieve; es decir en poco más de dos planos.
• Aprovechar la expresión de la materia. Cada vestido, como cada mujer, es un mundo diferente, solo tenía que dejarle contar su historia.
• Hacer pictóricamente atractivo un cuadro que la mayor carga cromática se encuentra en el color blanco.
• Resolver composiciones donde el dibujo sólo fuera utilizado como método auxiliar, dando, como objetivo, la prioridad compositiva a las telas.
• Continuar la obra iniciada ya por un creador, con el absoluto respeto que ello merece.

Si bien la idea artística era suficientemente clara, en la parte técnica existían numerosas dificultades, pero, afortunadamente, pude contar con la ayuda de varios profesionales ya que tenía que trabajar con materiales no convencionales y especialmente delicados, como lo son las sedas naturales, los rasos, las gasas, los tules…

Entre otros estos eran los retos:

• Utilizar los materiales oportunos para su adecuada conservación “al aire”
• Tener muy presente su perdurabilidad.
• Encontrar productos que, aunando las cualidades anteriores, no fuesen agresivos ni con las texturas, ni con el color.

En este proyecto han colaborado generosamente con los vestidos de mujeres anónimas que los utilizaron en su día y, además:

Petro Valverde, Hedera Novias, Agatha Ruiz de la Prada, Victorio y Lucchino, David Delfín, Raimon Bundó, Hannibal Laguna, DiNovia, Lorenzo Caprile, Jesús del Pozo, Hannibal Laguna y Vicky Martín Berrocal.

Se ha expuesto en el Museo del Traje de Madrid, la galería Movart, Museo de las Escuelas de Luzón (Guadalajara), Palacio Ducal Medinaceli (Soria)

https://www.cultura.gob.es/mtraje/dam/jcr:77c02619-8e03-47cc-88e7-cbc1e218e688/catalogo-un-vestido.pdf

https://www.cultura.gob.es/mtraje/museo/prensa/notas-de-prensa/np-historico/2007/un-vestido-dos-vivencias.html

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Concha Mayordomo

Nacida en Madrid, es Licenciada en Bellas Artes (UCM) y Graduada en Artes Aplicadas. De claro compromiso por la igualdad, la violencia de género y la visibilidad de la mujer artista, ha participado en muchas exposiciones tanto nacionales como internaciones y su obra se encuentra en colecciones públicas y privadas. Es comisaria independiente con una amplia trayectoria entre ellas cabe citar las realizadas con el Museo de Zaragoza, Ministerio de Cultura y Deporte, el Museo del Traje de Madrid y el Ayuntamiento de Madrid. Es directora académica de cursos sobre arte, figura destacada como divulgadora del trabajo las mujeres en el mundo del arte, habitual en mesas redondas y ponencias en espacios de arte.

Actualmente es presidenta fundacional de la asociación de mujeres artistas BLANCO, NEGRO Y MAGENTA y codirige BLANCO, NEGRO Y MAGENTA – LA REVISTA. Colabora en las ediciones digitales de diferentes medios. Ha sido premiada en el 2019 en la modalidad ARTE Y CULTURA de XII edición de los premios PARTICIPANDO CREAMOS ESPACIO DE IGUALDAD del Ayuntamiento de Madrid y el 2007 PREMIO A LA LABOR CULTURAL del Ayuntamiento de Alcobendas (Madrid).

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Hablar de los grandes genios de la pintura a través de los siglos es hablar, incluso en nuestros días, de arte masculino, dejando de lado a las mujeres que brillaron por su talento artístico. Si las pintoras querían ser parte de un grupo conocido de artistas, tenían que sortear la crítica masculina, estrictas restricciones educativas que no les permitían acceder a una formación artística adecuada, prejuicios de género en el mundo del arte dominado por los hombres y grandes dificultades para vender sus obras y ver reconocidos sus éxitos, ya que el valor artístico y económico de una obra estaba establecido por los propios hombres. Muchas se quedaron por el camino al permanecer a la sombra de sus colegas masculinos, al dejar para siempre el arte debido a imposiciones sociales y familiares, o simplemente porque su clase social no se lo permitía. Sin embargo, algunos nombres de excelentes pintoras han llegado hasta nuestros días como la formidable Artemisa Gentileschi, que ejerció una gran influencia en el mundo del arte del siglo XVII; Elisabeth Louise Vigée, conocida por sus retratos de la aristocracia francesa; Louise Catherine Breslau, pintora alemana que fue muy reconocida en París y cuyo estilo fue pasando del Naturalismo al Impresionismo, o Tamara de Lempicka que se atrevió con una libre interpretación del cubismo sintético de la segunda década del siglo XX.

La gran mayoría de los críticos de arte de Europa del siglo XIX opinaban que si la pintura femenina no entraba en los clichés establecidos, es decir, pintar flores o naturalezas muertas, era «masculina». Y si se asombraban del talento de una mujer pintora, la tachaban de diletante, ya que para esa sociedad era impensable que una mujer pudiera pintar con una técnica y precisión tan exactas como lo hacía un hombre.

Sin embargo, hubo en el Impresionismo tres pintoras que consiguieron, a pesar de diferentes   dificultades, dedicarse al arte; tres pintoras que pintaban con la técnica «masculina» y cuyo estilo seguía los cánones de este movimiento, siendo, por lo tanto, tan válido como el de sus colegas masculinos. 

Tres pintoras del Impresionismo

Mary Cassatt (1844-1926), Berthe Morisot (1841-1895) y Eva Gonzalès (1849-1883) vivían en París y exponían junto a Monet, Manet, Renoir, Degas y Cézanne. A pesar de que sus familias eran de clase alta, el camino para llegar a ser reconocidas como pintoras no fue nada fácil para ninguna de ellas. Y aunque eran consideradas como iguales por sus colegas impresionistas masculinos de más reconocimiento, sólo la obra de ellos se hizo más famosa. Las relaciones de parentesco y amistad entre los componentes del grupo originario del Impresionismo ayudaron a que estas pintoras no se rindieran y siguieran pintando. Berthe Morisot era cuñada de Édouard Manet y Eva Gonzalès fue la única alumna que tuvo el propio Manet. Además, el importante galerista impresionista Paul Durand-Ruel representaba no sólo a Édouard Manet sino también a Berthe Morisot ya que creía en el valor artístico de esta pintora. 

Mary Cassatt (1844-1926)

Se matricula en la Escuela de Bellas Artes de Filadelfia, una de las más emergentes en ese tiempo en Estados Unidos, gracias a que su familia pertenece a una familia de banqueros de la sociedad de Pensilvania. Sin embargo, su padre siempre se opuso a que ella fuera pintora. Cassatt mostraba la feminidad natural y la maternidad, temas inadecuados para una pintora, según los cánones de la época. Nada de flores ni naturalezas muertas. Las escenas que podemos ver en su obra son mujeres en su tiempo libre, tomando el té, con sus hijos, disfrutando del momento. Lo que hoy no nos resulta tan innovador, como es pintar la maternidad de una manera natural y sencilla durante escenas tranquilas y cotidianas, en su época rompía con lo establecido, ya que la figura de la mujer como protagonista absoluta de un cuadro era un tema pictórico que no se aceptaba que fuera ilustrado por mujeres. Mary Cassat buscó siempre ser una artista diferente al querer romper con los motivos tradicionales de la pintura, como se puede ver en su obra Woman with a Pearl Necklace in a Logede 1879, en el que una mujer segura de sí misma es la protagonista de la escena. En este cuadro el espejo posicionado detrás de la mujer crea un espacio que muestra diferentes dimensiones: el reflejo de detrás de ella y el reflejo de lo que está enfrente de ella. Cassat consigue darle otro valor a la figura de la mujer, no solo como elemento pictórico, sino como parte de la sociedad, dándole más presencia en la pintura de su época [FIGURA 1].

Berthe Morisot (1841-1895)

Fue la única de las tres pintoras que perteneció desde sus inicios al grupo de impresionistas y expuso sus obras en siete de sus ocho exposiciones en el Salón de París. Como Cassat, nació en una familia de la clase media alta, en este caso francesa, y esto le confirió muchas ventajas. Tuvo la suerte de contar con los medios económicos suficientes para recibir una formación correspondiente a su clase social (música, cursos de dibujo, etc.) Al contrario de sus colegas hombres, no pudo asistir a la École des Beaux Arts de París, una de las escuelas de arte más importantes en ese momento, ya que, hasta el 1897 no les estaba permitido a las mujeres el ingreso en la institución. Por ello, Morisot no llegó a recibir una formación artística oficial. Sin embargo, y por suerte, tuvo el respaldo de sus padres para convertirse en pintora. Su hermana Edma y ella se construyeron un atelier en el que podían pintar sin tener en cuenta los cánones establecidos a finales del siglo XIX para la pintura femenina. Allí pintaban y practicaban las técnicas que copiaban al reproducir las obras del Louvre. Con su maestro privado, el reconocido paisajista Camille Corot, Edma y Berthe Morisot aprendieron a pintar paisajes al aire libre, actividad que también les estaba prohibida a las mujeres ya que se consideraba una técnica reservada a los hombres.  Cuando conoció a Édouard Manet en 1868, Morisot ya había desarrollado una técnica perfecta y exquisita en el arte de pintar paisajes al aire libre. Su relación con Manet fue una relación de admiración recíproca y de aprendizaje mutuo. 

La obra de Morisot, al igual que la de Mary Cassatt, se caracteriza por esas escenas de cotidianidad femenina, por pintar a trabajadoras, madres, esposas, mostrando los momentos privados, pero universales, de las mujeres. Morisot, como Mary Cassat, decide ilustrarlas, convirtiéndolas en el tema principal de su obra. Como no se le permitía pintar al aire libre sin compañía masculina, se especializó en escenas femeninas de interior que era lo que conocía y las que podía observar sin prohibiciones. El modo de pintar estas escenas es revolucionario: la mujer posicionada en el centro del cuadro, con una autoestima y fuerza que hasta ese momento no se había visto [FIGURA 2]. Sus colegas hombres pusieron en valor su trabajo, incluyéndola a ella en el grupo originario del Impresionismo y tratándola de igual a igual. Fue la pintora más conocida y reconocida en su tiempo y era impensable acudir a una de las exposiciones del grupo del Impresionismo en el Salón de París y que no hubiera alguna de sus obras para admirarla. 

Eva Gonzalès (1849-1883) 

Al igual que Cassat y Morisot, la francesa Eva Gonzalès nació en el seno de una familia pudiente que le facilitó dedicarse al arte desde edad muy temprana. Estudió con uno de los maestros más importantes del momento, Charles Joshua Chaplin, pasando de una pintura más convencional al Impresionismo bajo la tutela de Édouard Manet, siendo la única pupila que aceptaría. Y, es que, Manet admiraba profundamente el trabajo de Gonzalès y la apoyó incondicionalmente para que se convirtiera en una respetada artista. En 1870 Gonzalès expuso la obra L’Enfant de troupe en el Salón de París mostrando una belleza delicada con una evolución técnica pictórica más cerca del Impresionismo que de cualquier otro estilo, y en la que se puede ver la influencia de Manet Siguió exponiendo en el Salón de París hasta el 1883. Sus cuadros captan, al igual que en la obra de Cassat y Morisot, a la mujer en momentos fugaces y privados, pero a diferencia de las otras dos pintoras, Gonzalès aporta a sus obras la elegancia de la cotidianidad con una delicada exquisitez como se aprecia en Le Réveil (1876) [FIGURA 3]. De sus obras emana un fresco y realista acercamiento a la vida privada de las mujeres. Desgraciadamente muere muy joven, a la edad de 34 años, dejando una obra llena de feminidad delicada y puntillosa, obtenida de una perspicaz observación de la vida cotidiana de la mujer de la época rompiendo así con los cánones tradicionales y estableciéndose como una de las pintoras impresionistas más importantes del movimiento.

Conclusión

El pertenecer a una clase social alta, tener formación académica y apoyo familiar, prohibirles que pintaran lo que pintaban sus colegas y no poder asistir a los centros de formación de arte que frecuentaban sus colegas masculinos son factores determinantes para que estas tres pintoras pudieran desarrollar su temática artística rompedora en esa época y ganarse el reconocimiento que merecían asegurando su lugar en la historia del arte. Rompieron con los cánones establecidos al pintar a la mujer en sus escenas cotidianas y abrieron un camino para las grandes artistas que vendrían después de ellas, a pesar de todas las dificultades y prejuicios sociales. 

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Alicia González Mangas

Licenciada en Filología Alemana por la UCM y en Filología Hispánica por la UNED, ha sido profesora en la Universidad de Bamberg, Alemania, del 1999 al 2003, y en secundaria del 2003 al 2021 en Núremberg y en Neubrandenburg. Actualmente dirige AGM-Language, Servicio Lingüístico de Inglés, Alemán y Español, empresa fundada por ella misma. Ha escrito varios artículos sobre pragmática, literatura, arte y enseñanza de idiomas. Actualmente compagina su actividad docente con la formación de profesores y la ilustración. 

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Antes de funcionar como poder, el lenguaje se acercó a los mitos fundacionales para señalar pulsiones cercanas al conocimiento aunque movidas por la necesidad de levantar la realidad en sentido inmediato, en desigual medida, mezclando un mar de significaciones donde percibir un mundo vinculado a códigos extremos, inverso, manipulado, caótico. Un desplazamiento tenaz donde todo nos es dado pero nada nos pertenece. Bajo esa premisa se ha ido construyendo la historia de la mujeres hasta que una puesta en común articuló otros principios con los que sentirnos vivas y conectadas. Atravesadas, empujadas, resistiendo; un efecto tentador largamente acariciado. Abertura que nos reinventa y nos hace pensar libres para expresarlo todo hasta encarnar, en el espacio de la cultura, un pensamiento que nos constituye con su esplendor y en su contrariedad frente al reto de las exigencias sociales, porque la acción ya no es temblor en las palabras pues la experiencia alzó su vuelo.

Relación de fuerzas disidentes. El desorden como ley en el movimiento de lo simbólico, una dialéctica del valor y sus conceptos en oposición al despertar una y otra vez de la razón desestimada. Clausura o castración en el reduccionismo de lo social. Mujer performada así, jerarquizada. En vuelo el hilo de la reflexión. Un margen liberador escapa, legitima los significados como potencial trasgresor en ese Imperio de lo Propio que impregna toda asertividad y esconde el poder bajo una huella.

…Y me pregunto, ¿la historia rebasa los límites para la sublimación antes o después de fijar en la memoria otra subjetividad abierta que la regenera? ¿O hay una laya en el lenguaje que lo quiebra y lo equilibra todo a la vez? Por ese grave sentir, cerca del bien, pausa la luz. Y nosotras mismas en esa turbulencia nos damos a lo extraño. El cuerpo se moviliza entonces. La escritura no descansa, no necesita una pausa de comprensión. Algo sucede en una lengua extraña que intimida y se ha dejado seducir por un texto líquido, de pronto audaz. El impulso entonces no tiene sombras, es el canto de las letras, primero mío, por exceso, que lleva mi voluntad a esa orilla donde se fantasea y crece sin rivalizar hasta que su ritmo interior palpita y nace en las palabras, que son espejos, torrentes, ríos y manantiales pues, a pesar de todo, es el agua en el ojo quien nos proyecta.

Saltan los deseos en lo no escrito. Exhiben su venganza. Exigen su control. Traducir nuestras acciones ocultas a través del vínculo social del lenguaje, con sus formas de expresión, constituye un intercambio humano. El hecho de comunicar tiene su lógica propia. Pero para las mujeres, la relación de dominación por los juegos del lenguaje no es un juego de intenciones, dado que en las estructuras sociales compiten las palabras con un viejo sistema de apropiación. ¿Cuantos espacios necesitan reconstruirse aún hasta lograr una aprehensión formal? Dar el salto sobre un discurso que privilegia por asegurar lo que nos pertenece es una acción razonable y necesaria para que toda posibilidad de transmisión, punto por punto, con sus divergencias, no sea más un encuentro anulador fente a un poderoso estatus ejercido per se.

Borradas por el lenguaje en un proceso de exclusión de nuestra identidad, el puente sobre el vacío es una imagen de valor, pues aún caminamos sobre estructuras de carácter patriarcal desafiando los ángulos de la historia. ¡Demasiado tiempo! Conjugamos el anhelo autorreferente de los extremos donde se equilibran verdad y vida. Pero las violencias también se sumergen en el lenguaje, se sumergen con todas sus posibilidades: anudan escenas: se enfrentan: se superponen: asumen una práctica, y simultanean los resultados en las representaciones culturales hasta crear desajustes en las distancias. Las palabras presionan o reafirman categorías desde el dilema de lo privado, que parte siempre, a su vez, de un presente dado; así se ensalza o desvanece su fortaleza. Pero a la luz del entendimiento cuestionamos esta paradoja pues, paralelamente, escribimos por un impulso esencial. Una simple cuestión, en lo primario, mimetiza y modifica la idea con su habilidad lingüística; hay por tanto algo más que esa inversión subjetiva, ya que, asímismo, somos capaces de crear un corpus luminoso que nos vuelve transparentes. Esta relación, evoca claramente una transformación en la lengua donde se da lo propio de todo presente en la voluntad única de esa causa por venir que llamamos invención emancipatoria. Aparece entonces la creación literaria, favorable a los cambios y dispuesta a cualquier beneficio evidente. Y ya no hay objetivación posible dado que todo empieza de nuevo. Su exigencia apela a la verdad sin perturbar el movimiento de lo sensible. Y cuando algo parece perdido, renace como fuente poética de significante pleno. La escritura se vuelve espejo, aún con su estructura de abismo, flechas de un sueño de incertidumbre, valles de interferencias, en el tiempo, colisionando. Por ese principio se llenan hermosos infinitos, porque ahora, ante lo inquietante ya no hay miedo, y nuestra naturaleza de mujer despierta arrogante como el fuego y el aire sobre el cuerpo, la expresión, la lengua y el sentido.

Una mezcla de bondades ha encendido entendimiento y pasión en el territorio del gozo estético. Texto, mi cuerpo; si escribes mujer lo sabes tanto como yo, un discurso materializado de alguna forma: voz y canto a la vez, depositario de tantas metáforas. La llegada a la escritura es más una metonimia que transforma la vida y marca una apertura allí donde está el movimiento de todos los misterios, sus derivas talladas por el ritmo de otros gestos, no para llenar el abismo, un impulso que censura el aliento, que transcribe el impetuoso silencio, ese volver al punto de partida, sino para albergar otra génesis que ha ocupado su vacío, tal vez, consumado por un reconocimiento. Avanzamos hacia ello, evoluciona nuestra mirada pues nos hemos asomado al fondo de las cosas. El secreto ya no esconde su posesión. En el orden filosófico presente, somos herederas del lenguaje y el lenguaje tiene género, y en su hegemonía lo envolvemos, y es herramienta de crítica: ¿figuras, modelos, imágenes desapropiadas? Pensar-mujer, pensar el alma de mujer en el acontecimiento de la lengua es una lógica permeable para dar lugar en el tiempo, por esa evocación, a un movimiento de ideas que incluye nuevas estrategias y hace funcionar una deconstructiva con sus rasgos de adscripción: nombrar(se), afirmar(se), identificar(se). Incorporar el lenguaje del cuerpo hace estallar otros conceptos. Dice Cixous, nunca te faltará el buen vértigo: sus diferencias, que movilizan y bordean otros marcos de referencia cuando nos atraviesan. Siempre habrá algo más que describen las mujeres, en la convicción de haber sido anteriormente atenuado por un principio establecido y que ahora reconstruye ese vínculo magistral con el que sentirse enraizadas, estimuladas en el borde del ser, alejado de la provocación y como ejercicio necesario en el desvelamiento de toda presencia.

Hélène Cixous, Filósofa, feminista, activista por los derechos de las Mujeres, referente en los Estudios de Género desde los años 70, fundadora del Centre d´Études Féminines de la Universidad de Paris VIII. Reconocida por la crítica, sus trabajos han merecido distinciones de numerosas universidades de todo el mundo, siendo considerada una de las intelectuales francesas más influyentes. Asociada al posmodernismo, su ingente obra abarca cerca de 60 títulos y más de 100 ponencias. Sólo una decena de libros han sido traducidos al español; animamos desde aquí a corregir este desequilibrio y también a leer su prosa imponente, populosa y sutil desde la que aboga por un compromiso con la escritura de la différence y que atraviesa la lingüística y la antropología para instalarse en el deconstrucionismo filosófico-poético (tres libros escritos junto a Jacques Derrida) donde el significado se abre en todas direcciones. No sólo reflexiona, reescribe atenta a lo inesperado, a lo que está por venir. A punto de cumplirse 50 años de su Llegada a la Escritura y La Risa de la Medusa, ofrecemos estas breves reflexiones sobre unas obras tan vigentes como inspiradoras que exigen su reelectura. Hèléne Cixous propone pasar a la acción para inventar las formas de una mujer en marcha.

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María Muñoz
Gestora Cultural, poeta y editora. Interesada en la Filosofía del Lenguaje, la Critica de la Cultura y la Escritura de Mujeres. Del Consejo Editorial de ALMUD Ediciones. Colaboradora en “Tertulia de Letras” Radio Cultural de la F. Ortega y Gasset de Toledo. Obra poética publicada: Raquiá-Bará (Colección Voz de Mujeres), de Letrúmero. Felicidad Resite en Biblioteca Añil Lirteraria; El Mar de la Alturas, Literaria2 de Almud Eds. de CLM; de próxima aparición: Oda para una Plataforma de Jade. Pertenece al Colectivo Clásicas y Modenas y coordina e impulsa actividades literarias en la Asociación Feminista Mujeres Progresistas de Retiro. Mantiene activa la web/blog www.lashilanderasprodigiosas.com

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“La madre de Europa”

Una japonesa internacional que influyó en el mundo

Nos encontramos en el siglo XIX, época romántica y de grandes aventuras por el mundo para las clases pudientes. Japón está viviendo los cambios que ha traído consigo la Restauración Meiji (1868), ha abierto sus fronteras y ya es posible que los extranjeros puedan entrar y desempeñar trabajos en el mundo de la diplomacia, las grandes empresas, la cultura y la docencia, etc.

Mitsuko Aoyama era una joven normal que no tenía ninguna relación con el extranjero y fue la esposa de un diplomático del imperio Austro-húngaro, el conde, Heinrich Coudenhove-Kalergi (1859-1906), que, fascinado como muchos intelectuales de la época por el arte y cultura oriental, frecuentaba la tienda de antigüedades de su padre, en Ushigome, en la calle hoy llamada Aoyama 青山 en honor a su nombre, Aoyama Kihachi 青山喜八.

Su enlace en Tokio fue el primer matrimonio internacional del que se tiene constancia en los archivos del gobierno japonés y muy probablemente una de las primeras mujeres en llevar un vestido de boda al estilo occidental.

Mitsuko y el conde se enamoraron a primera vista, cuando ella le sirvió el té en la tienda de su padre.

Se convirtieron en amantes y tuvieron dos preciosos niños, para disgusto de su padre, un hombre extremadamente conservador, que la repudió, y escándalo de las malas lenguas que se referían a ella como “la concubina”.

Coudenhove-Kalergi escribió a su familia anunciándoles su matrimonio, que tuvo lugar en 1892, tras toda una serie de obstáculos y lucha contra los prejuicios reinantes en la época. Sin embargo, pudo más su profundo amor por Mitsuko y por Japón.

Decidido a pasar el resto de su vida en Japón con su esposa japonesa, el destino cambió por completo sus planes. En aquellos días, la joven Mitsuko no podía ni imaginar que se convertiría en “La madre de Europa”.

Al poco tiempo falleció el padre de Heinrich, y para sorpresa de todos, no nombró heredero a su hijo primogénito, Heinrich, sino al primogénito de este. El matrimonio viajó a Europa para cumplir su última voluntad y, una vez allí, en Viena, decidieron establecerse.

Antes de partir para tan larga travesía, Mitsuko fue a visitar a la Emperatriz quien la despidió muy afectuosamente con hermosas palabras y animándole a desempeñar un importante papel como puente cultural en el escenario internacional en que se desarrollaría su vida.

Heinrich y Mitsuko tuvieron otros cinco hijos más, siete en total.

En aquellos días, Mitsuko, que solo había asistido a la Escuela Primaria, como era habitual en las muchachas japonesas de su época, consciente del desigual nivel cultural entre su esposo y ella y la necesidad de estudiar y transformarse en una mujer culta para poder ofrecer lo mejor de sí, estar a la altura como esposa de un diplomático y poder educar a sus hijos lo mejor posible, empezó a estudiar materias completamente nuevas para ella, en ocasiones contratando a profesores particulares, como historia, geografía, literatura, filosofía, inglés, francés y alemán.

 “Ver a nuestra madre estudiando día y noche con tanto empeño y ahínco influyó poderosamente en nosotros y en la importancia de adquirir una buena formación. Fue todo un ejemplo para todos nosotros”- estas hermosas palabras nos han quedado como testimonio de sus hijos.

En 1904 Heinrich falleció inesperadamente de un infarto, hecho que destrozó la vida de Mitsuko. Tras catorce años de matrimonio, de repente se veía sin su pilar y apoyo principal, en un país ajeno, rodeada de gentes cuya lengua y cultura no entendía, para quienes no era más que una extranjera, y con siete hijos pequeños a su cargo. Sacando lo mejor de sí en esos momentos tan adversos, se propuso dar la mejor educación posible a sus hijos y estudió derecho y contabilidad para poder gestionar ella misma, sin delegar en nadie, las propiedades de la familia, como heredera de su esposo que era, lo que le granjeó numerosos problemas y desencuentros con su familia política.

En 1923, el segundo de sus hijos, Richard (1894-1972), publicó un manifiesto titulado PAN-EUROPA, que representa la fundación de la Unión Internacional Paneuropea, y con ella el movimiento paneuropeo, que sentó las bases fundamentales para que con el tiempo fructificara en la actual Unión Europea (EU). Tras la Primera Guerra Mundial (1914-1918), su tesis principal era que solo se evitaría otra confrontación internacional si Europa superaba sus divisiones y diferencias y se unía para formar una confederación de Naciones. Según él, esta era la única manera de preservar Europa y evitar que desapareciera debido a su debilitación por la fragmentación.

Dicho manifiesto fue traducido en poco tiempo a las principales lenguas europeas y alcanzó gran difusión. Personajes políticos de gran relevancia en el momento, como el primer ministro francés durante la Tercera República, Aristide Briand (1862-1932), considerado también como uno de los pioneros de la unión de Europa, sus homólogos ingleses, el conservador Neville Chamberlain (1869-1940) y Winston Churchill (1874-1965), y también el joven Benito Mussolini (1883-1945), se mostraron de acuerdo con sus tesis. 

Escritores como Thomas Mann, Rainer Maria Rilke y Paul Valéry también aplaudieron sus teorías.

Por aquellos días ya empezaba a rumorearse la idea de que el único que conseguiría unir a toda Europa sería Adolf Hitler (1889-1945). A la vista de su espectacular y velocísima trayectoria, su siniestro carisma y el poder de fascinación que ejercía sobre las masas, deseosas, por otra parte, de un resarcimiento o venganza tras la situación tan humillante en que había quedado Alemania tras los tratados de la Primera Guerra Mundial, y así se lo advirtieron a Richard Coudenhove-Kalergi.

Sin embargo, sus ideas eran totalmente opuestas a las de Hitler.

Tras la Segunda Guerra Mundial (1939-1945), Richard defendió la creación de un mercado amplio, con una moneda común y estable como vehículo imprescindible para que toda Europa reconstruyera de nuevo su potencial y ocupara el sitio que le correspondía en el concierto de las naciones.

Richard Coudenhove-Kalergi ha sido considerado como el precursor y “Padre de la actual Europa” y su madre, Mitsuko, la “Madre de Europa” por la formación humanística que le procuró y las ideas de amor y comprensión entre las diferentes culturas (no olvidemos que Richard había nacido en Tokio) en una época en la que solamente una minoría, normalmente privilegiada, sabía de otros continentes o países, cooperación entre las naciones e internacionalización y cosmopolitismo que le transmitió con su ejemplo.

Se dice que el famoso perfume “Mitsouko”, de la casa Guerlain, lanzado en 1919, punto álgido de la fascinación de Europa por Oriente (véase el movimiento del Japonismo en las artes: pintura, música, literatura, etc.), por el perfumista Jacques Guerlain (1874-1963), está inspirado en la figura de esta admirable mujer que supo tender puentes culturales entre Occidente y Japón.

Elena Gallego Andrad (Burgos, 1967)Doctora en Literaturas y Culturas comparadas por la Universidad de Sevilla y Licenciada en Filología Hispánica por la Universidad Complutense. Estudió Literatura Japonesa en la Universidad de Kioto. Investigadora sobre la Violencia y la construcción de una Cultura de Paz en la Fundación SIP, Seminario de Investigación para la Paz.Profesora de español y Teoría de la Traducción en diversas universidades de Kioto y Tokio durante tres décadas y traductora literaria de japonés a español con más de una veintena de libros publicados en España, Argentina y Japón.

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